Las 25 mejores películas de 2023 (hasta ahora)

Jul 22, 2023

Las mejores películas de 2023, hasta ahora, se esconden justo donde suelen estar. Lo que quiero decir con eso es que la división familiar entre los éxitos de taquilla poco entusiastas y las excelentes películas más pequeñas está de vuelta a lo grande. Cualquier vacilación persistente o preciosismo en torno a las películas que puedan haber estado flotando sobre el público después de que los peores momentos de la pandemia pusieran a los cines al borde del colapso total se ha desvanecido en 2023. Avatar nos empujó a las nuevas películas de Marvel, que nos vieron hasta Mario fue Minionizado. Y, sin embargo, incluso con estas franquicias ineludibles a cargo de la taquilla, el consumidor promedio está más involucrado que nunca en temas de producción y distribución. El streaming ha estado en problemas por un tiempo, pero ahora se ha vuelto tan malo que la gente en la calle se está dando cuenta. No está de más que los Escritores y ahora los Sindicatos de Actores de Pantalla estén en huelga para que obtengan lo que se merecen. A medida que las películas más grandes intentan volver al statu quo, es más fácil que nunca rechazarlo y exigir algo un poco diferente.

Tal vez eso signifique probar un nuevo transmisor, cambiar Max o Netflix por MUBI o Criterion. Tal vez eso signifique conseguir un boleto virtual o en persona para un festival de cine. Tal vez eso signifique ir al pequeño teatro de autor con la misma frecuencia con la que traes a los niños a la última película de Transformers. Sea cual sea tu camino, te esperan excelentes películas. Es posible que aún no tengamos nuestro gran éxito independiente del año, como Everything Everywhere All at Once, pero tenemos nuevas películas de Ari Aster, Kelly Reichardt, Hong Sang-soo, M. Night Shyamalan y Alice Diop. Tenemos debuts de nuevas y emocionantes voces como Celine Song, Manuela Martelli y Raine Allen-Miller. Tenemos un nuevo John Wick, un nuevo Spider-Verse y una nueva forma de explotar una tubería. Las películas son buenas, si sabes dónde buscar. Y sabemos dónde buscar.

Así es como recopilamos esta lista de las mejores películas de 2023, ordenadas alfabéticamente y listas para llenar su lista de observación. Aún así, dejamos un festival de películas que creemos que vale la pena rastrear cuando estén disponibles, películas como Killers of the Flower Moon, May December, Problemista, Kokomo City y All Dirt Roads Taste of Salt. Estos ya están recibiendo mucha atención en general o los promocionamos cuando se estrenaron en Cannes, Sundance o SXSW, pero no estarán disponibles para el público en general hasta finales de este año. Para esos, tendrás que quedarte y descubrir cómo evolucionan las cosas a fines de 2023. En cuanto a las películas que ya se estrenaron este año, bueno, no dejes que nadie te diga que no lo son. haciendo grandes películas nuevas, porque esta lista era difícil de reducir a solo 25.

Aquí están las 25 mejores películas de 2023 hasta ahora:

AlcarràsRelease Date: February 24, 2023Director: Carla SimónStars: Jordi Pujol Dolce, Anna Otin, Xenia Roset, Albert Bosch, Ainet JounouRating: NRRuntime: 120 minutos

La familia Solé a menudo está tirada en su casa, huyendo del estrés de la cosecha interminable. Simón, crucialmente, nunca nos ofrece un plano claro del terreno de la familia, capturándolo en una serie de primeros planos, inconexos e íntimos. Cada momento se fractura, lo que transmite cuán dispar se ha vuelto la familia, desesperada por evitar el estrés perpetuo que persiste en cada conversación en este momento crucial. En una escena particularmente tensa, Dolors (Anna Otín) masajea los nudos de la espalda del brusco patriarca Quimet (Jordi Pujol Dolcet), mientras sus hijos hacen sus propias tareas, arremolinándose a su alrededor. Simón elige sostenerlos en tomas individuales, sin retroceder nunca para encuadrarlos en relación unos con otros, solo mirándolos mientras permanecen en el fondo del primer plano de otro. Es una configuración cuidadosa, que equilibra el deseo de conexión de la familia, apilados en un espacio contenido, contra la incapacidad de conectarse de una manera significativa. –Anna McKibbin

¿Estás ahí Dios? Soy yo, Margaret Fecha de lanzamiento: 27 de abril de 2023 Director: Kelly Fremon Craig Estrellas: Abby Ryder Fortson, Rachel McAdams, Elle Graham, Benny Safdie, Kathy Bates Clasificación: PG-13 Duración: 111 minutos

Si hay una certeza en medio del caos de la pubertad, es que te sentirás incomprendido. Incomprendido por tus amigos, tus hermanos, tu profesor de educación sexual y, sobre todo, por tus padres. De hecho, cuando comienzas a sufrir esos molestos cambios físicos y emocionales, inevitablemente parece que nadie en este planeta dejado de la mano de Dios puede empatizar con lo que estás pasando, eso es, por supuesto, a menos que tengas la suerte de tropezarte con un libro de Judy Blume. Dado el peso que tiene Blume para tantos niños y ex niños, embarcarse en una adaptación cinematográfica de una de sus obras representa un desafío. Sin embargo, me complace informar que la adaptación de Kelly Fremon Craig de la icónica novela de 1970 Are You There, God? Soy yo, Margaret ofrece casi sin problemas. Margaret sigue a la joven Margaret Simon (Abby Ryder Fortson), cuyos padres Barbara (Rachel McAdams) y Herb (Benny Safdie) la trasladan a una nueva escuela en Nueva Jersey para su último año de escuela primaria. El viaje de autodescubrimiento de Margaret es un reloj fascinante y satisfactorio. Craig mueve a Margaret a un ritmo gratificante. Su paleta de colores pastel soleados, su ingeniosa comedia (una escena en la que Margaret y su madre discuten sobre sujetadores de entrenamiento merece un lugar en el Salón de la Fama del Cronometraje Cómico) y montajes musicales extáticos hacen de Margaret un reloj estimulante, extático y que invita a la reflexión. Si bien Craig logra la narración y el tono de Margaret, esta película simplemente no lograría tanta conmoción y empatía sin la actuación principal estelar del joven Fortson. La estrella en ciernes es divertida sin esfuerzo y aporta un sorprendente nivel de madurez a su voz en off; cuando recita un comentario astuto y "adulto", se siente como si realmente quisiera decir y entendiera lo que está diciendo. Si bien Fortson es la columna vertebral que mantiene unida a Margaret, ella no es la única actriz que trae algo encantador y delicioso a la mesa. Graham brilla, interpretando a la chica mala bien intencionada con un humor físico magistral y una ternura sorprendente, mientras que McAdams sirve como el núcleo emocional de Margaret en su mejor papel importante en mucho tiempo. La magnífica actuación de McAdams hace que la comprensión de Craig sobre el libro de Blume sea aún más clara: la novela de 1970 nunca fue solo para niñas. Fue, y sigue siendo, por generaciones y generaciones de mujeres. Esa es su verdadera belleza.—Aurora Amidon

Beau Is Afraid Fecha de lanzamiento: 21 de abril de 2023 Director: Ari Aster Estrellas: Joaquin Phoenix, Patti LuPone, Nathan Lane, Amy Ryan, Kylie Rogers, Parker Posey, Stephen McKinley Henderson, Hayley Squires, Michael Gandolfini, Zoe Lister-Jones, Richard Kind Calificación: RRuntime : 179 minutos

Puedo ver mucho de mí mismo en el perpetuamente sobreexcitado Beau Wassermann de Joaquin Phoenix, quien descubre que el mundo que teme lo persigue realmente. Es el peor de los casos para el arquetipo judío nebbish. Beau Is Afraid es como si un protagonista de Woody Allen fuera el personaje de Griffin Dunne en After Hours de Martin Scorsese, y la trama de esa película estuviera llena de esteroides existencialistas. Es una odisea paranoica, sexualmente reprimida y laberíntica con un héroe desaliñado, un poco como Under the Silver Lake, otra película que el distribuidor A24 no tenía idea de cómo promocionar a su audiencia clamorosa, hiper-online y adolescente. Y al igual que After Hours, Beau Is Afraid se desarrolla de manera similar como una broma realmente larga. Para su tercera y más ambiciosa película (odio evocar comparaciones con Magnolia), Aster se inclina completamente hacia el hueso gracioso que solía exhibir en sus primeros largometrajes aparentemente ultra austeros, Hereditary y Midsommar. En Beau Is Afraid, Aster tiene un toque más ligero y juguetón a pesar del intimidante tiempo de ejecución de 179 minutos. Aster cultiva un mundo excepcionalmente absurdo y excéntrico, elaborado meticulosamente por la diseñadora de producción Fiona Crombie, en el que las motivaciones de los personajes son erráticas, hilarantes y cuestionables. En este extraño universo (en el que nunca está del todo claro, o es necesariamente importante, cuál es el período de tiempo), nunca hay una sensación de seguridad para el pobre Beau. Incluso la idílica casa familiar suburbana, que alberga a Beau en rehabilitación después de ser atropellado por la camioneta de su propietario (un incidente extraño que siguió a otro incidente extraño que involucró a vagabundos invasores y la bañera de Beau), es su propia casa de los horrores bien cuidada. Beau Is Afraid es en gran medida una comedia negra que utiliza técnicas de terror bien ubicadas: Aster tiene un dominio sólido de la tensión y le encanta balancear su cámara de un lado a otro para crear una sensación de vulnerabilidad. Incluso las escenas que pretenden una seriedad mortal se sienten intencionalmente tontas cuando uno da un paso atrás y ve el panorama general, en una película que no puede evitar parecer, en esencia, una intrincada broma sobre la peor realidad posible para un judío estereotipadamente paranoico con problemas de mamá. Beau Is Afraid es más emocionante que el debut y el segundo largometraje de Aster, y no solo porque es más ambicioso, un poco difícil de manejar y dura tres horas. Tiene sentido que un director como Aster haga de su tercera película una epopeya en expansión, yendo tan lejos como para incorporar impresionantes secuencias de animación de medios cambiantes, después de la aclamación inicial. Es admirable que sea desarmante, extraño y profundamente poco serio, como para asustar a los críticos que lo han llamado todo lo contrario. También todo funciona bastante. Es difícil decir si los detractores de Aster, agotados por el schtick de terror de prestigio, se volverán del otro lado por Beau Is Afraid. Es fácil seguir aceptando su tono al pie de la letra. Pero te hace preguntarte si eso es lo que hemos estado haciendo por error todo el tiempo.—Brianna Zigler

BlackBerryFecha de lanzamiento: 12 de mayo de 2023Director: Matt JohnsonEstrellas: Glenn Howerton, Jay Baruchel, Matt Johnson, Michael Ironside, Cary Elwes, Rich Sommer, Saul Rubinek, SungWon ChoClasificación: RTiempo de ejecución: 119 minutos

Hay mucho que amar de la BlackBerry de Matt Johnson, y luego está la inefable atracción gravitatoria de su furioso núcleo al rojo vivo: la calva de un hombre pálido de 40 y tantos, tan suave que parece forjada por eones de movimiento tectónico, de la cual brota perfecta Mots sórdidos de los hombres de negocios de los 80 mezclados con una rabia sociópata desenfrenada. Johnson siempre ha estado en el corazón de sus películas, protagonizando The Dirties y Operation Avalanche y sirviendo como la fuente de la mayor parte del caos que genera Nirvanna the Band the Show, su serie con Jay McCarrol, pero en BlackBerry interpreta a Doug, un tipo que técnicamente ni siquiera existe. No, Doug no es nada en BlackBerry al lado del todo de la película, Glenn Howerton como Jim Balsillie, un recipiente para la voz alarmante del codirector ejecutivo más radiactivo de Canadá. Las vidas inevitablemente se marchitarán en su órbita. "¡Soy de Waterloo, donde se juntan los VAM-PIRES!" grita en una sala de ejecutivos de la NHL, cada sílaba se pronuncia como si la oración estuviera puntuada por lápidas. Basado en Losing the Signal: The Untold Story Behind the Extraordinary Rise and Spectacular Fall of BlackBerry, la película narra el auge y la caída de la empresa de dispositivos de bolsillo, desde sus comienzos explotados a mediados de los 90 como una creación de los tímidos, Mike Lazaridis (Jay Baruchel), siempre introspectivo, y su mejor amigo Doug, hasta el colapso de la compañía tras la aparición del iPhone (y más de una violación de la SEC por parte de Jim). El director de fotografía habitual de Johnson, Jared Raab, filma la película más como DA Pennebaker y el documental de Clinton de Chris Hegedus The War Room que como The Social Network, el predecesor ineludible de BlackBerry, pero el objetivo de Johnson no es menos parecido a Ícaro: hacer una pieza de época sobre la fundación. de una compañía de tecnología transformadora y dramáticamente trágica con una actuación inimitable y negramente cómica en el centro.—Dom Sinacola

Sauce Ciego, Mujer DurmienteFecha de lanzamiento:14 de abril de 2023Director:Pierre FoldesEstrellas:Kwon Hae-hyo, Lee Hye-young, Park Mi-so, Song Seon-miClasificación:NRTiempo de ejecución:100 minutos

Ya hay varias adaptaciones maravillosamente meditativas y cuidadosamente realizadas de los cuentos cortos de Haruki Murakami, a saber, Burning, del director coreano Lee Chang-dong, y Drive My Car, ganadora del Oscar 2021, de Ryusuke Hamaguchi. Sin embargo, muchas de las obras más famosas del ícono literario japonés se han considerado inadecuadas durante mucho tiempo. para la traducción cinematográfica. Esto probablemente tiene que ver con la inclinación de Murakami por emplear elementos de realismo mágico. Las escenas vívidas, a menudo fantásticas, que crea a través de la prosa fácilmente podrían parecer incómodas, incongruentes o simplemente insatisfactorias en la pantalla, incluso dentro de las capacidades aparentemente ilimitadas de la tecnología moderna de VFX. Al adaptar varias historias cortas de Murakami con elementos particularmente surrealistas a través de la animación en Blind Willow, Sleeping Woman, el escritor, director, animador y compositor Pierre Földes es capaz de destilar evocadoramente la veta mística que impregna las tramas vagamente conectadas, desarrollándose tras el terremoto de Tōhoku. y el tsunami que azotó Tokio en 2011. La película incorpora seis de los cuentos de Murakami de tres colecciones separadas: The Elephant Vanishes, After the Quake y Blind Willow, Sleeping Woman. Incluso los lectores ocasionales de Murakami reconocerán que The Wind-Up Bird Chronicle, cuyo primer capítulo (ligeramente alterado) se publicó originalmente como The Elephant Vanishes, es un componente importante de esta película. No es el único enfoque, pero evoca exuberantemente muchos detalles específicos, desde la gatita desaparecida de Komura convertida en esposa desaparecida hasta la inquisitiva vecina adolescente que le permite acampar en su patio trasero. Aunque la película solo profundiza en el primer capítulo de la novela tal como aparece en Elephant, es difícil imaginar otra película que aborde The Wind-Up Bird Chronicle y logre capturar la atmósfera vagamente idílica pero abrumadora que Blind Willow hace con tanta eficacia. El triunfo y el encanto de Blind Willow, Sleeping Woman se debe al estilo de animación específico que utiliza Földes, que es una combinación visualmente intrigante de captura de movimiento y técnicas 2D. Blind Willow, Sleeping Woman es una versión refrescante de la obra de un autor popular. También es ambicioso por derecho propio, especialmente porque llega inmediatamente después de las adaptaciones de Murakami antes mencionadas que han recibido una gran aclamación.—Natalia Keogan

Brooklyn 45 Fecha de lanzamiento: 12 de marzo de 2023 Director: Ted Geoghegan Estrellas: Anne Ramsay, Ron E. Rains, Jeremy Holm, Larry Fessenden, Ezra Buzzington, Kristina Klebe Calificación: NR Duración: 92 minutos

Si quieres una prueba de la infinita creatividad presente en el género de terror, no busques más allá de la película de terror de una sola ubicación. No es sorprendente que Ted Geoghegan sepa exactamente cómo entregar este tipo de película, al menos no si está familiarizado con su anterior película de terror sobrenatural, la notable We Are Still Here. Esa película, aunque no es una historia de una sola ubicación, hizo un excelente uso de un entorno íntimo y un pequeño elenco para contar una historia conmovedora y aterradora de dolor, arrepentimiento y el pasado siempre presente. Brooklyn 45 le permite a Geoghegan regresar a temas familiares y un andamiaje narrativo simplificado, al tiempo que ofrece algo muy diferente de su pasado de terror. Una pieza de época que es en parte un misterio de habitación cerrada, en parte una historia de fantasmas y todo un escaparate para un glorioso conjunto de actores de carácter, es otro triunfo de la narración de terror en un solo lugar y una prueba de que Geoghegan acaba de comenzar a mostrarnos lo que puede hacer. Como sugiere el título, la película comienza en Brooklyn una noche de diciembre de 1945. La Segunda Guerra Mundial ha terminado, pero las heridas de esa gran lucha aún están muy frescas, particularmente en los corazones y las mentes de las cinco personas que acaban de reunirse. en una hermosa casa de piedra rojiza para una reunión agridulce. Los viejos amigos Marla (Anne Ramsay), Hock (Larry Fessenden), Archie (Jeremy Holm), Paul (Ezra Buzzington) y el marido de Marla, Bob (Ron E. Rains), llevan cicatrices de la guerra cuando entran en el elegante salón de Hock, pero lo que aún no saben es cuán profundos son realmente esos recortes. Una vez que un líder militar imponente y el pegamento de su grupo de amigos, Hock se ha reducido a un desastre plagado de dolor, sumergiéndose en textos sobre cómo comunicarse con los muertos como una forma de hacer frente a la pérdida de su esposa. Con estas ideas en su cabeza, y su círculo íntimo de cabalgar o morir reunido a su alrededor, propone un ritual simple para tratar de ganar un poco de paz: cerrar las puertas del salón, celebrar una sesión de espiritismo e intentar contactar a su esposa. Esta configuración, y la elegancia sencilla con la que Geoghegan y compañía la entregan a la audiencia, tiene un diseño tan hermoso y simple que casi podría funcionar como una obra de teatro. Tal vez con esa idea en mente, el cineasta convocó a un elenco de estrellas comprometidas y constantemente convincentes para llenar el salón de la conversación de esta temporada navideña con el más allá, y es a través de ese elenco que Brooklyn 45 construye algo más grande que un riff en un fantasma clásico. configuración de la historia. Hay ecos en esta película de los grandes dramas de posguerra de Hollywood, así como de sus grandes historias de fantasmas, lo que la convierte en una mezcla sorprendente y, a menudo, conmovedora de Los mejores años de nuestras vidas y The Changeling, y es notable que Geoghegan sea capaz de caminar por esa línea tan bueno.—Matthew Jackson

Chile ’76Release Date: May 5, 2023 Director: Manuela Martelli Stars: Aline Küppenheim, Nicolás Sepúlveda, Hugo Medina, Alejandro Goic, Antonia Zegers, Marcial Tagle Rating: NR Runtime: 100 minutes

Décadas después de su muerte, el nombre de Alfred Hitchcock todavía se usa instintivamente para describir tensos thrillers políticos como el primer largometraje de Manuela Martelli, Chile '76. Ambientada 3 años después de que Augusto Pinochet derrocara a Salvador Allende, la película se sumerge en la inquietud durante 90 minutos; es el producto de una nación contemporáneamente inclinada hacia la política partidista fracturada, como si Martelli tuviera la intención de que su audiencia enfrente el retrovisor histórico como un recordatorio de lo que les sucede a las democracias cuando detectan un caso de hiperpolarización. El primer calificativo apropiado para Chile '76 que cualquiera debería buscar es "urgente". Pero en lugar de "Hitchcockiano", el segundo calificativo debería ser "Pakulan". Chile '76 comparte la misma sensibilidad atmosférica flexible que las películas de Alan J. Pakula; Martelli basa su trama en el realismo en un momento, luego en el surrealismo al siguiente, oscilando entre una autenticidad de líneas nítidas y una paranoia onírica. Martelli es optimista y cree que cuando se enfrenta a una prueba incontrovertible de una tiranía gubernamental genuina, el ciudadano medio hará su parte para oponerse al sistema, incluso si eso significa ser desaparecido por el escuadrón de matones del presidente matón. La sensación de la película, por otro lado, es la sospecha, la noción implacable y enfermiza de que no se puede confiar en nadie. Ya sea la vibrante banda sonora electrónica o la fotografía de Soledad Rodríguez, compuesta hasta el punto de sentirse sofocante, Chile '76 impulsa esa ansiedad como un cuchillo en el corazón.—Andy Crump

How to Blow up a Pipeline Fecha de lanzamiento: 7 de abril de 2023 Director: Daniel Goldhaber Estrellas: Ariela Barer, Kristine Froseth, Lukas Gage, Forrest Goodluck, Sasha Lane, Jayme Lawson, Marcus Scribner, Jake Weary, Irene Bedard Clasificación: R Duración: 100 minutos

El libro de Andreas Malm de 2021 How to Blow Up a Pipeline vio cómo su argumento a favor de un mayor activismo climático se transformó en un argumento a favor de un activismo climático diferente. El dinero no lo está cortando. Las protestas tampoco. Tal vez el sabotaje lo hará. Su vitalidad fluye como un antídoto contra el nihilismo venenoso que rodea la crisis climática de los progresistas; sus puntas ardientes amenazan las pilas de dinero en efectivo recaudado por los conservadores. La conmovedora adaptación del cineasta Daniel Goldhaber es la mejor manera de convertir a la gente a su causa, ya sean ecologistas verde oscuro o republicanos del Senado que tragan gasolina. Adaptar un tratado de no ficción sobre los límites de la protesta noviolenta a una ficción específica similar a un atraco es un movimiento brillante de Goldhaber y sus coguionistas Ariela Barer y Jordan Sjol. En su ejecución de un plan cuidadosamente elaborado, unido por una química explosiva e interpersonal, nos empuja a su emocionante filosofía visualizada. How to Blow Up a Pipeline no es lo suficientemente ingenuo como para confiar en el optimismo, sino que opta por radicalizar la competencia. Piense en Cómo hacer explotar una tubería como un problema de palabras. El problema verbal más emocionante que puedas imaginar, donde los dos trenes que salen de la estación chocan en un explosivo gruñido de acero, tus seres queridos a bordo se salvan solo gracias a la rapidez de pensamiento y al trabajo en equipo. How to Blow Up a Pipeline contextualiza sus conceptos en acciones para que podamos entenderlos mejor, internalizarlos e identificarnos con ellos. No hay un momento perdido para llevarnos allí. Los capítulos de Malm ("Learning from Past Struggles", "Breaking the Spell" y "Fighting Despair") están elegantemente transpuestos, sus argumentos de alto nivel se humanizan en personajes y conversaciones. El conjunto, dirigido por los estudiantes manifestantes Xochitl (Barer) y Shawn (Marcus Scribner), cuyo plan reúne orgánicamente al hosco constructor de bombas nativo Michael (Forrest Goodluck), a la cachonda pareja de crustpunks Rowan (Kristine Froseth) y Logan (Lukas Gage), finalmente III Theo (Sasha Lane) y su renuente novia Alisha (Jayme Lawson) y el desilusionado terrateniente Dwayne (Jake Weary)—está dibujada de forma colorida y completada a través de escenas retrospectivas ingeniosas y bien cortadas. Cada uno tiene sus razones, y nosotros cubrimos las espaldas de todos. Al estructurar su trama simple (explotar un maldito oleoducto) como un zigzag, How to Blow Up a Pipeline construye su equipo sin perder fuerza. Es tan eficiente y reflexivo en su planificación como sus héroes, y los resultados son igual de exitosos. Es tan satisfactorio como cualquier buen trabajo bancario, solo que está robando un poco más de tiempo en este planeta a las empresas que buscan quemar la tierra. Respondiendo a la tragedia no con desesperanza sino con habilidad, no es una película de ensueño o delirante. Sabe que su sabotaje no tiene lugar en el vacío. Entiende que la gente sale lastimada. Lo que hace que Cómo volar un oleoducto sea grandioso es que, de todos modos, nos gana hábilmente para su causa. Es un cine absolutamente eléctrico.—Jacob Oller

Piscina infinitaFecha de lanzamiento:27 de enero de 2023Director:Brandon CronenbergEstrellas:Alexander Skarsgard, Mia Goth, Cleopatra Coleman, Jalil LespertClasificación:RTiempo de ejecución:117 minutos

Latidos y corridas son el alfa y el omega de las vacaciones de Brandon Cronenberg en el infierno de White Lotus, donde los turistas se aflojan el cuello y dan rienda suelta a sus sesos de lagarto. El sistema límbico y los procesos biológicos más básicos de la vida dominan Infinity Pool, el descenso del cineasta a un mundo viscoso, sexy y aterrador donde la muerte es un juego más para los ricos. Es una sátira de golpe y fuga de tonterías occidentales, que desmantela los estragos que nuestra clase alta que cambia de destino causa en otras culturas y la falsa iluminación mística pregonada por gurús y tontos de Goop: aquellos demasiado ricos para tener problemas reales, aquellos que aspiran a lograr este estatus, y aquellos que se aprovechan lucrativamente de ambos. En esta prueba tropical, se derraman el uno en el otro, por los siglos de los siglos. La muerte del ego no tiene nada que ver con el recurso brillantemente deformado de Brandon Cronenberg. El señuelo colgante y jugoso no es sutil: una pareja aparentemente normal a la que se acercan europeos extraños (probablemente swingers) siempre genera problemas. Seríamos tontos si no sospechamos de Gabby (Mia Goth) y Al (Jalil Lespert) cuando se acercan a su pareja de compañeros de hotel, James (Alexander Skarsgård) y Em (Cleopatra Coleman). Uno de ellos es interpretado por Mia Goth, que es una señal segura para volver a tu habitación y girar el cartel de "no molestar". Pero James es un novelista, con un mal libro a su nombre (The Variable Sheath, un fantástico título falso) que solo se publicó porque se casó con la hija del rico editor. El fandom proclamado de Gabby acaricia la parte de su ego que está casi arrugada y convertida en polvo: es débil, tiene hambre de eso, es el blanco perfecto. Cuando los blancos inevitablemente hacen algo irreversiblemente horrible a los lugareños de Li Tolqa, su desprevenida alienación en su cultura es inquietantemente hilarante. No hablan el idioma y no pueden leer los formularios que la policía les pide que firmen. Pero es más extraño que eso. El brillante diseño de producción, la búsqueda de locaciones y la cinematografía te encierran en un frenesí nocturno. Profundizar demasiado en lo que sucede exactamente en Infinity Pool es como delinear el borde recirculante de la construcción que se burla del horizonte de su título. No te quitará sus placeres, pero realmente no puedes entenderlo hasta que estás en él. Hasta que Cronenberg te lleva por una carretera secundaria sin iluminación, lo suficiente como para que empieces a preguntarte si estás soñando o despierto. Pero lo más claro de esta comedia de horca es que sus personajes existen. La gente que cree haber resuelto la realidad, la clase engreída que se da el lujo de estar cachonda por la muerte, porque la muerte nunca ha sido real para ellos. La crítica inspirada de Infinity Pool de esta multitud es feroz y divertida, sus alucinaciones ágiles y pegajosas, y su pesadilla envolvente que recordará sin necesidad de abrir la presentación de diapositivas de vacaciones.—Jacob Oller

John Wick: Capítulo 4 Fecha de lanzamiento: 24 de marzo de 2023 Director: Chad Stahelski Estrellas: Keanu Reeves, Donnie Yen, Ian McShane, Bill Skarsgård, Shamier Anderson, Clancy Brown, Laurence Fishburne, Hiroyuki Sanada, Rina Sawayama, Lance Reddick, Scott Adkins Clasificación: R Duración: 169 minutos

Al principio de John Wick: Capítulo 4, nuestro titular Baba Yaga, interpretado por Keanu Reeves después de una década como un monje terminador casi mudo, su vestido monástico es un fino traje a prueba de balas de tres piezas y su tonsura una melena engrasada del color de la noche. —sigue escondido después del suspenso del Capítulo 3. Por supuesto, una recompensa cada vez mayor por su cabeza no le ha impedido seguir asesinando a mucha gente, incluido el Anciano (George Georgiou), que no es el mismo Anciano del Capítulo 3, porque, como explica este nuevo Anciano, mató al último tipo y se hizo cargo, como lo hizo el Anciano antes que ese tipo, y el Anciano antes que ese tipo hizo con el tipo antes de ese tipo. La enrevesada jerarquía del John Wick Murderverse existe solo para multiplicarse y volverse más enrevesada: en el Capítulo 2, nadie se sentaba sobre la Mesa Alta, excepto, como se presentó en el Capítulo 3, el Anciano, que se sienta encima y también al lado, pero aparentemente tiene su cuota de problemas. Así como los miembros de la Mesa Alta son susceptibles a la rivalidad sociópata entre hermanos (ver Capítulo 2), siempre habrá otro Anciano para matar, otra guerra personal para librar, otro secuaz para disparar repetidamente en la cara. “Nadie, ni siquiera John Wick, puede matar a todos”, escuchamos decir con tono de asombro. Pero no, debe matar a todos. Esto es lo que queremos y así termina esto, cómo John Wick puede ser libre: Mata al mundo entero. Si el Capítulo 3 comenzó inmediatamente después del Capítulo 2, y rara vez abandonó su fórmula de videojuego a medida que los niveles se volvían más difíciles y los malos se volvían más inmunes al superpoder (asesinato) de John Wick, entonces el Capítulo 4 es la entrada más deliberada de la franquicia hasta el momento. Con tres películas en juego y una construcción mundial detrás, la última obra hiperviolenta de Chad Stahelski es una obra maestra moderna de indulgencia creadora de mitos y cine de acción arquetípico. Stahelski y Reeves saben que su película debe aspirar géneros, superestrellas, modelos, cantantes, ganadores del Oscar e íconos de las artes marciales, DTV y prestigio por igual; consumirlos y darles espacio para ser sacrificados gloriosamente a una franquicia que los valore. Contempla a Donnie Yen, que se siente como en casa en Murderverse, pero también a Hiroyuki Sanada, Rina Sawayama, Clancy Brown y Scott Adkins, este último con un largo escenario que rompe el cuello y es a la vez una locura masticadora y una exhibición física esperada de Adkins. . Todo es paciente y omnívoro y más que ridículo. Stahelski maneja cuerpos para llevarlos a fines divinos. Todo en la pantalla es estupendo. Esto es lo que queremos, ver a John Wick asesinar al mundo entero, por los siglos de los siglos. Amén.—Dom Sinacola

Llamar a la cabinaFecha de lanzamiento:3 de febrero de 2023Director:M. Night ShyamalanEstrellas:Dave Bautista, Jonathan Groff, Ben Aldridge, Nikki Amuka-Bird, Kristen Cui, Abby Quinn, Rupert GrintClasificación:RTiempo de ejecución:100 minutos

Knock at the Cabin tiene un giro que el público no verá venir, aunque solo sea porque desafía lo que la gente sabe sobre el director M. Night Shyamalan. Es un giro, pero no lo es, pero lo es, pero tampoco lo es. Pero en Llaman a la cabaña, adaptada de la novela La cabaña en el fin del mundo de Paul Tremblay, se trata menos del destino que del viaje. Una película preocupada por el uso frecuente de conversaciones íntimas en primer plano plano/plano inverso, Knock at the Cabin comienza con una entre Leonard (Dave Bautista) y Wen (Kristen Cui, no Haley Joel Osment, pero en general está bien). Leonard tiene la figura imponente de Bautista, pero Bautista sabe cómo manejarse con un toque suave. Tiene una voz suave y cálida, y tiene una ternura implícita en su presencia similar a la de un gran animal de peluche. Acompañado por dos mujeres, Adriane (Abby Quinn) y Sabrina (Nikki Amuka-Bird), y un hombre impetuoso llamado Redmond (Rupert Grint, cuyo primer papel en ocho años demuestra que es una fuerza de la naturaleza), Leonard y su grupo ingresan a la fuerza a Wen y sus padres adoptivos, Andrew (Ben Aldridge) y Eric (Jonathan Groff), que albergan Airbnb. Los grupos estaban unidos por visiones compartidas de un próximo apocalipsis que provocará el fin de la humanidad, y la única forma de detenerlo es si esta familia en particular toma la decisión de sacrificar a uno de ellos voluntariamente. Knock at the Cabin es, quizás, la película de 100 minutos más rápida jamás realizada. Desde la tranquila y meditativa secuencia inicial, el último momento de normalidad en la vida de Wen, la película avanza con una sensación de urgencia que es paralela a la del grupo del fin del mundo. Incluso en momentos de calma, hay un impulso constante, tenso y vigorizante hacia adelante. Si eres fanático de Shyamalan, o simplemente estás familiarizado con su estilo, estás acostumbrado a "diálogo que la gente real no diría" y "acciones que la gente real no haría". Es una queja frecuente sobre las películas de Shyamalan por parte de sus detractores, pero no es una deficiencia creativa. Es solo parte del lenguaje cinematográfico de Shyamalan, uno que funciona en una especie de irrealidad que prioriza la historia, la emoción y el tema sobre la logística pedante en el diálogo. En este punto, o estás con él o no lo estás. Y si es así, Knock at the Cabin podría verse como el mejor trabajo de su carrera.—Brianna Zigler

M3GANFecha de lanzamiento: 6 de enero de 2023 Director: Gerard Johnstone Estrellas: Allison Williams, Violet McGraw, Amie Donald, Jenna Davis, Ronny Chieng, Brian Jordan Alvarez, Jen Van Epps Calificación: PG-13 Duración: 102 minutos

Mucho antes de que M3GAN llegara a los cines, el cyborg titular de la película, que puede describirse mejor como una mezcla de Renesmee de Crepúsculo (si fuera una sádica furiosa) y una Baby Annette irritada, se convirtió en una sensación viral. De forma un tanto milagrosa, M3GAN logra estar a la altura de su espectacular publicidad. (Aunque en retrospectiva, este nuevo triunfo en el campo del terror no debería ser tan sorprendente, ya que James Wan y Akela Cooper de Malignant, también conocidos como las personas que nos dieron esta escena el año pasado, coescribieron la película). Después de perder a sus padres en un trágico accidente automovilístico, la joven Cady (Violet McGraw) se muda con su tía Gemma (Allison Williams), una robótica de una compañía de juguetes parcialmente responsable de PurrpetualPetz: animales de peluche que tienen dientes similares a los humanos y, entre otros. cosas, coge mierda. Al darse cuenta de que no está equipada para cuidar a un niño, Gemma tiene como misión terminar de construir M3GAN, o Model 3 Generative Android, un robot diseñado específicamente para ser el mejor amigo más leal de su hijo. Muy pronto, M3GAN comienza a tomar su programación de "proteger a Cady a toda costa" demasiado literalmente (¿quién podría haberlo visto venir?), Lo que resulta en una serie de secuencias de violencia oscuramente cómicas, una de las cuales puede involucrar o no la muñeca parlante empuñando celosamente una pistola de clavos. M3GAN es más que otra entrada sólida en este subgénero de terror. Incluso podría ser tan audaz como para decir que es el clásico de campamento más nuevo del horror, y M3GAN uno de los íconos de terror más grandes de los últimos años. M3GAN, un tanto milagrosamente, perfecciona el tono de comedia de terror, capaz de seguir constantemente la línea de demasiado tonto, desde el timbre dulce pasivo-agresivo, condescendiente y enfermizo de M3GAN (clavado por Jenna Davis, la chica "penny nickel dime" de Vine), a su peluca rubia andrajosa, sin siquiera cruzarla. La hazaña más impresionante de M3GAN, al final del día, es que nos da a los locos cinematográficos exactamente lo que queremos sin sacrificar la grandeza en el proceso. Y sí, lo que queremos es un muñeco asesino que baila breakdance. ¿Es eso un crimen?—Aurora Amidon

de una edadFecha de lanzamiento:17 de febrero de 2023Director:goran stolevskiEstrellas:Elias Anton, Thom Green, Hattie GarfioClasificación:RTiempo de ejecución:114 minutos

Los recuerdos melancólicos de viejos amores, y la palpable intriga romántica que conjuraron por primera vez, se elevan a alturas sensualmente cinematográficas en Of an Age, el segundo largometraje del cineasta macedonio-australiano Goran Stolevski. Una continuación un tanto inesperadamente tierna y sensual de su debut de terror popular You Won't Be Alone, esta película amplía aún más los temas de la asimilación forzada, los dolores de crecimiento de los adolescentes y el acto de presentar constantemente diferentes caras al mundo. Por supuesto, la experiencia queer es en sí misma un estado de cambio de forma incesante hasta que uno aterriza en la piel adecuada, una tarea casi imposible para un adolescente en los años 90 en Melbourne, Australia, que vive con miembros homofóbicos de su extensa familia inmigrante serbia. . Corre el año 1999 y Kol (Elias Anton), un bailarín de salón competitivo de 17 años, se levanta temprano para prepararse para el tan esperado torneo final esa misma tarde. Las esperanzas de una mañana relativamente libre de estrés se desvanecen bruscamente cuando recibe una llamada desesperada de su mejor amiga y compañera de baile Ebony (Hattie Hook), quien se desmayó después de una dura noche de fiesta y no tiene idea de en qué playa se ha despertado varada. . Consultando frenéticamente un mapa mientras intentan resolver un plan de juego, los dos finalmente deciden reclutar al hermano mayor de Ebony, Adam (Thom Green), para obtener ayuda clandestina sin alertar a su madre. Recoge a Kol en su sedán apropiadamente cuadrado y, después de conocerse en el camino, finalmente encuentran a un Ebony húmedo y arenoso sentado en una cabina telefónica lejana. Kol prácticamente no tiene ninguna esperanza de regresar a tiempo para su competencia de baile, pero parece haber obtenido un premio de consolación mucho más atractivo. La película está impregnada del tipo de actitud nostálgica que tiende a sesgarse hacia un sentimentalismo vergonzoso, pero aquí permite que la relación entre Kol y Adam se sienta aún más realista y arraigada en la experiencia vivida por el director. Si bien el final de la película se siente un poco abrupto y cursi, Of an Age cuenta con actuaciones fenomenales y una verdad central sobresaliente (aunque sombría). Nunca es prudente anticipar una revelación que cambie la vida de los regresos a casa fortuitos, particularmente cuando has estado anhelando una conexión que fue fugaz desde el principio. Al final, sin embargo, la razón rara vez prevalece sobre los románticos. Incluso después de presenciar este ejercicio cinematográfico de mantener la retrospectiva, apuesto a que ningún espectador eliminará con éxito sus propias tendencias a reflexionar sobre las infinitas posibilidades de las pasiones pasadas.—Natalia Keogan

Other People's ChildrenFecha de lanzamiento: 21 de abril de 2023 Directora: Rebecca Zlotowski Estrellas: Virginie Efira, Roschdy Zem, Chiara Mastroianni, Callie Ferreira-Goncalves, Michel Zlotowski, Yamée Couture, Victor Lefebvre Calificación: NR Duración: 104 minutos

La directora francesa Rebecca Zlotowski aborda el tema de un "reloj biológico" y las presiones sociales que lo rodean con gracia y ligereza, sin duda impactada por su propia experiencia como una mujer sin hijos de unos 40 años. Su película Other People's Children no se centra simplemente en una mujer que sopesa sus opciones cuando se trata de la perspectiva de la maternidad; también ejemplifica las innumerables formas en que podemos fomentar vínculos genuinos y compasivos con los niños, en particular con aquellos que actúan fuera de la etiqueta de "padres". Rachel (una deslumbrante Virginie Efira) de cuarenta y tantos años es una profesora de secundaria en París que, según todos los informes, está viviendo su mejor vida. Mantiene una relación bastante amistosa con su exmarido (Henri-Noël Tabary), está dedicada a su padre (Michel Zlotowski, el padre de la cineasta que apareció en algunas de sus películas anteriores) y a su hermana Louana (Yamée Couture) y tiene Recientemente comencé a aprender a tocar la guitarra. Es durante una de sus lecciones semanales que finalmente sale a tomar una copa con Ali (Roschdy Zem), una compañera de estudios cuya presencia ha alentado la asistencia perfecta de Rebecca. Él la hace reír, se llevan bien y eventualmente se vuelven amantes. A medida que su relación se intensifica, Ali le cuenta a Rachel sobre su hija de 4 años, Leila (Callie Ferreira-Goncalves), de quien mantiene la custodia total. Curiosamente, la propia Zlotowski quedó inesperadamente embarazada durante la realización de esta película, un hecho que hace que la lucha central de Other People's Children sea aún más fascinante y conmovedora. Divertida, franca y sin adoptar nunca un punto de vista fatalista, Other People's Children se atrinchera en un espectro completo de emociones humanas (aunque en gran parte femeninas) relacionadas con la futura paternidad. Su sensibilidad completamente francesa (desnudez humorística, tomas gratuitas de la Torre Eiffel y varias escenas de café/bistro) solo se ve reforzada por la identidad judía de Rachel y su familia, pero la relación entre ella y Ali, orgullosamente árabe, nunca sirve como forraje para observaciones mezquinas. de la diferencia religiosa (Dios sabe que los europeos normalmente no pueden resistir estas encuestas a menudo tibias). Junto con la película vital de Audrey Diwan Happening del año pasado, las directoras francesas están creando un canon necesario de feminidad sin hijos, pasada y presente, segura e incierta.—Natalia Keogan

Vidas pasadas Fecha de lanzamiento: 2 de junio de 2023 Director: Celine Song Estrellas: Greta Lee, Teo Yoo, John Magaro Clasificación: PG-13 Duración: 106 minutos

Nombrado en parte por inyun, un concepto coreano que abarca el destino, la intención y la consecuencia, como un efecto mariposa que une la reencarnación, el romance agridulce de Past Lives recuerda los barcos de Longfellow que pasan en la noche. No porque la relación de décadas entre Nora de Greta Lee y Hae Sung de Teo Yoo sea intrascendente, sino porque es consecuente a pesar de su brevedad y su opacidad emocional. Nos recuerda que es posible encontrar magia, conjurada por el fluir de las acciones cotidianas, cuando nos cruzamos con personas varias veces a lo largo de los ríos entrelazados de nuestras vidas. Nos recuerda que unir tu vida a la de otra persona para desafiar juntos la corriente es un acto de perseverancia desafiante. Partiendo de una larga tradición de romances anhelantes, mientras muestra las habilidades únicas de la escritora/directora debutante Celine Song con una escritura precisa y una creación delicada de escenas, Past Lives fluye de década en década con facilidad, abarcando la inmigración, la mayoría de edad y la creatividad y la hastío romántico, solo para llegar a una aceptación desgarradora de nuestra exquisita incapacidad para tenerlo todo. Nora no está realmente atrapada entre el Este y el Oeste, al igual que nunca está realmente atrapada entre su enamoramiento de la infancia, Hae Sung, y su esposo Arthur (John Magaro). Cada vez que la conocemos, ya sea de niña, a punto de dejar atrás a Hae Sung y Corea, o como una veinteañera que se conecta con él por Skype, o como una mujer casada anfitriona de su visita a Nueva York, ha tomado sus decisiones, o las ha tenido. hecho para ella. El impulso temático más fuerte de Song mientras navega por los tres actos de la película, que abarcan la infancia, la soledad, la reconexión, la pérdida y la reconexión de Nora, es que esto no es excepcional. Basándose en su propia experiencia y un agudo sentido de la psicología, Song escribe conversaciones ingeniosas, contenidas y preciosas. Pueden tener la torpeza vacilante y reconfortante de Yi Yi o, gracias a un uso eficaz del peinado y el vestuario (así como la postura y el comportamiento de sus protagonistas), la melancolía deambulante de las meditaciones de Richard Linklater sobre el paso del tiempo. Pero todos permiten que Lee y Yoo (ambos en actuaciones estelares) tengan una profundidad tranquila. Past Lives es un debut poderoso y delicado, un hermoso collar ensartado con recuerdos cristalizados. Sus ideas sobre el amor y el tiempo, y cómo uno impacta al otro, son simples y te queman el corazón. Se trata de todas las personas potenciales que podríamos haber sido, y cómo ninguna de ellas importa tanto como la persona que somos, y la tontería de tratar de averiguar qué seríamos si nos improvisamos de manera diferente. Es mejor dejar esas posibilidades en el pasado. Además de presentar a Song como un brillante observador del diálogo, la interacción y el tono, Past Lives es una película sorprendentemente romántica sobre lo que compone nuestras vidas. Somos las decisiones que tomamos y las decisiones que otros toman por nosotros. Pero también somos la colección de conexiones que hacemos, diarios de navegación vivientes, debidamente registrados. Cada encuentro repetido es un milagro menor, y cada primer encuentro tiene ese potencial. Y puede haber amor en cada uno, por breve que sea.—Jacob Oller

carril de centenoFecha de lanzamiento:31 de marzo de 2023Director:Raine Allen MillerEstrellas:David Jonsson, Vivian Oparah, Simon Manyonda, Benjamin Sarpong-Broni, Poppy Allen-QuarmbyClasificación:NRTiempo de ejecución:82 minutos

Parte del placer de hacer una comedia romántica es reinventar lo que está en juego en una historia, volviendo a litigar lo que se considera cinemático. En lugar del terreno tradicional de los éxitos de taquilla, está trazando las consecuencias más familiares del malentendido relacional. Las comedias románticas están unidas por la relación, y las comedias románticas verdaderamente grandiosas entienden que esta relación crece a partir de la especificidad. Donde muchos ejemplos recientes de este género se quedan cortos es esquivando este grado de especificidad, temerosos de enraizar a una audiencia en la monotonía de lo cotidiano. Rye Lane se apoya en esta monotonía percibida, animando todo con la promesa de un nuevo amor. Rye Lane tiene lugar en el transcurso de un día, siguiendo a Dom (David Jonsson) y Yas (Vivian Oparah) mientras deambulan por el sur de Londres, inventando formas nuevas y cada vez más ridículas de pasar el tiempo juntos. Usan puntos de referencia locales como un conjunto de peldaños interpersonales, guiándose unos a otros a través de las ruinas físicas de sus propias historias románticas. Todo se captura en colores nítidos y brillantes, reflejando la alegría enterrada en cada rincón de esta ciudad. Pero el esquema de color es solo una de las formas en que la directora Raine Allen-Miller navega por la alegría de la dinámica de Dom y Yas. Ella organiza escenarios elaborados para realzar su incipiente relación: un cine lleno de múltiples Doms, animando apasionadamente a Yas mientras recrea su reciente ruptura, es a la vez una broma divertida y un ritmo de carácter constructivo, que muestra a dos personas que se unen por una forma compartida de hacer frente a la situación. . Allen-Miller experimenta con el enfoque y el ángulo de la cámara, cambiando entre los extremos de la lente ojo de pez y tomas amplias para capturar la textura borrosa y ajetreada de la ciudad. Su historia de amor es una dedicada a recontextualizar su entorno, a escuchar una conversación embarazosa y buscar la mirada divertida del otro, a comprar burritos en el puesto de Brixton y dejar que el otro ordene por ti. Cada nueva ubicación es una puerta de entrada a la comprensión de la otra persona, un aviso para una nueva historia. De esta forma, Rye Lane construye un escenario cariñosamente transportable. Gracias a la especificidad y el cuidado de Rye Lane por su relación central, Allen-Miller ha realizado una de las mejores comedias británicas, sin duda una de las mejores películas basadas en Londres, de la última década.—Anna McKibbin

Saint OmerFecha de estreno: 13 de enero de 2023 Directora: Alice Diop Estrellas: PG-13 Duración: 122 minutos

En la comuna costera mayoritariamente blanca de Berck-sur-Mer, enclavada en el extremo norte de Francia, destaca el profesor de literatura Rama (Kayije Kagame). Esto se debe principalmente a su color de piel, una nuez pecana rica e impecable en sorprendente contraste con los lugareños de color avena de la ciudad. Pero también está el hecho de su dimensión, su marco escultural. Cuando llega por primera vez a Berck, la gente vuelve la cabeza. En el mejor de los casos, la belleza acerada de Rama los deja atónitos. En el peor de los casos, simplemente la ven por su negrura. El estatus de intrusa de Rama es fundamental para su papel en Saint Omer, la última película de la cineasta senegalesa Alice Diop y el alejamiento de su modo tradicional como documentalista. Al igual que Una pareja de Frederick Wiseman, Saint Omer fusiona la ficción con la realidad; se basa en el terrible caso de Fabienne Kabou, quien en 2016 fue juzgada por dejar morir a su hijo de 15 meses en la playa durante la marea alta. Diop asistió al juicio y la experiencia claramente la impresionó. Saint Omer ve el crimen de Kabou y la historia que se desarrolla a su paso a través de los lentes de la maternidad y la paternidad, argumentando que ninguno puede separarse del otro. Al igual que Diop, Rama viaja a Berck para presenciar el juicio de una mujer acusada de asesinar a su hijo de 15 meses; aquí, esa figura es Laurence Coly (Guslagie Malanga), estudiante e inmigrante senegalés. Y al igual que Diop, Rama tiene la intención de convertir la transgresión de Laurence en ficción narrativa, como un recuento de la historia de Medea. No es que Saint Omer trate a Laurence como un monstruo, por supuesto. Diop despega capa tras capa de humanidad en la película, enfrentándose al terrible acto de Laurence de frente y con ojos claros mientras evita sus juicios hechos a través de las anteojeras. Hay una versión de Saint Omer donde el horror del sujeto da paso al terror como género; En cambio, Diop ha optado por una interpretación directa de una tragedia nauseabunda, donde lo único más difícil de digerir que el infanticidio es darse cuenta de que hay muy poco que cualquier persona agobiada por las dudas de Rama pueda hacer, excepto aprender a vivir con ellas.–Andy Crump

Showing UpFecha de lanzamiento: 7 de abril de 2023 Director: Kelly Reichardt Estrellas: Michelle Williams, Hong Chau, Judd Hirsch, André Benjamin, Heather Lawless, Amanda Plummer Calificación: R Duración: 108 minutos

Dos años después de que su impactante Primera vaca llegara a los cines, Kelly Reichardt no se aleja del escenario del Noroeste del Pacífico, donde tienen lugar cuatro de sus otras películas. Esta vez, cambia el condado de Oregón del siglo XVII por el actual Colegio de Arte y Artesanía de Oregón en Portland, donde su protagonista exasperada, Lizzie (Michelle Williams), tiene un trabajo diurno. Cuando no está trabajando, Lizzie está creando retratos extraños y rígidos de mujeres en poses inconexas, ya sea en acuarela sobre papel o en arcilla tangible, siendo este último el medio que eligió para exhibir en un próximo espectáculo. Pero antes de que Lizzie pueda llegar a su gran día, tiene que navegar por un torbellino de caos: su familia disfuncional; la polémica relación con su casero, vecino y colega artista, Jo (Hong Chau); y una pobre paloma herida que su gato, Ricky, atormentó una noche. En su cuarta colaboración con Reichardt, Williams está mejor que nunca. Posiblemente exagerada en el maquillaje asediado de una mujer normal esta vez, Williams aún muestra mejor cuán viva puede ser una actriz en el trabajo de Reichardt. Cada suspiro que emite se siente derribado por pesos, duele mirar su encorvamiento; su cansancio rebota en la pantalla y contagia al público como una enfermedad. Y a pesar de lo maquillada que está para no parecer una actriz, es principalmente en el aspecto físico de su interpretación y en la franqueza de sus diálogos que resulta creíble como Lizzie, una artista en apuros. Nunca hay un momento en el que Michelle Williams se escape de la actuación. Pero también es sorprendentemente graciosa, con Reichardt y el coguionista Jonathan Raymond escribiendo una serie de líneas cómicas en la perfecta inexpresividad de Williams. Lizzie aparece como el nuevo ápice de la relación consistentemente fructífera de Williams y Reichardt, cada entrega desde Wendy and Lucy de 2008 alcanza otro peldaño en el que los dos han tallado aún más la sincronía entre artista y musa. Al igual que las figuras irregulares de Lizzie, la cámara de Reichardt se fija en las partes del cuerpo oscurecidas y hace zoom entrecortado mientras sigue a Lizzie trabajando hacia su noche de estreno en medio de una serie de contratiempos casi cómicos. Sin embargo, el hilo conductor que zumba en toda la vorágine de la vida de Lizzie es la inseguridad creativa. Se manifiesta en cómo se comporta Lizzie, cómo habla sobre su arte y cómo habla con los demás. Es el toque ligero y minimalista de la atmósfera de Reichardt y su cuidado de las sutilezas interpersonales lo que genera una intensidad emocional abrumadora cuando Lizzie finalmente instala su trabajo en exhibición en la galería. Una sola fila pequeña de figuras en medio de un gran espacio vacío.—Brianna Zigler

Fumar causa tos Fecha de lanzamiento: 31 de marzo de 2023 Director: Quentin Dupieux Estrellas: Gilles Lellouche, Vincent Lacoste, Anaïs Demoustier, Jean-Pascal Zadi, Oulaya Amamra, David Marsais, Adèle Exarchopoulos, Grégoire Ludig, Doria Tillier, Jérôme Niel, Blanche Gardin, Alain Chabat, Benoît Poelvoorde Calificación: NR Duración: 80 minutos

Después de media década enfocándose en tonterías de alto concepto, como la tragicomedia de moscas gigantes Mandibles y el thriller de chaqueta de cuero Deerskin, Dupieux sigue sus impulsos más ridículos y deja que la antología de terror de medianoche permanezca hasta el sábado por la mañana, mezclando sangre y carcajadas en un Comedia amable y alegre. La Fuerza del Tabaco, un supergrupo de "vengadores" empoderados por carcinógenos, compone el conjunto que enmarca la película. Una parodia de tokusatsu al estilo de los Power Rangers, son como Danger 5 de Dupieux: una sátira retro de la forma que se deleita en cuán desesperadamente adulto es gran parte de su material de origen juvenil. Mientras que Danger 5 hizo bromas sobre el sexismo y la trama repetitiva de la serie de espías/aventuras, Smoking Causes Coughing utiliza colores deslumbrantes y frecuentes salpicaduras de sangre para su heroico equipo. Pero fumar causa tos evita repetir los ataques autoconscientes de The Boys o The Suicide Squad sobre el vestuario ceñido, la inmadurez empoderada o las tramas de villanos locos al evitar la conciencia por completo. En cambio, se inclina hacia la estética pulp de baja fidelidad de la televisión barata y la payasada torpe particular de la marca de incompetencia cómica de Dupieux. La estupidez inofensiva es donde prospera Dupieux. Smoking Causes Toughing juega con estas fortalezas, siendo a la vez sublimemente tonto e impredecible, adictivamente ligero. La comedia fluye dentro y fuera de sus historias anidadas sin preocuparse por nada, sintiéndose como un escaparate suelto para todas las ideas tontas y adyacentes al horror que Dupieux tenía sobre la pandemia. Debido a que los superhéroes que hilan estos cuentos son dibujos animados extraños y atrofiados, sus horribles fábulas son decididamente más absurdas que cualquier otra cosa; piensa Drunk History sino por convertir las divagaciones de un niño pequeño en cortos sangrientos. Uno se centra en un casco que mejora el pensamiento que impulsa a su portador a, lógicamente, atacar a sus tontos amigos. Otro, contado por una barracuda que habla inexplicablemente, involucra el mejor chiste de astilladora de madera desde Fargo. El hilo común que une estos cuentos desde el lado de los tontos es un diálogo coloquial e intencionalmente poco cocinado que enfatiza la discordia entre el contenido espantoso y la entrega infantil. Naturalmente, fumar causa tos es demasiado relajado para ser mucho más que una pausa para fumar de largometraje de las tonterías más pesadas en el piso de la fábrica. Pero para aquellos con un sentido del humor surrealista, cuelgue el cartel de "ido a almorzar" y disfrute de su dosis de comedia francesa de 80 minutos exigida por el sindicato.—Jacob Oller

Spider-Man: Across the Spider-Verse Fecha de lanzamiento: 2 de junio de 2023 Director: Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin K. Thompson Estrellas: Shameik Moore, Hailee Steinfeld, Oscar Isaac, Issa Rae, Jason Schwartzman Calificación: PG Duración: 136 minutos

Spider-Man: a través de las telarañas de Spider-Verse se abre camino hacia un mundo mucho más hastiado, uno repleto de secuelas de superhéroes y, específicamente, narración de historias multiverso. Y, sin embargo, Spider-Man: Across the Spider-Verse aparece y, una vez más, limpia el piso con sus hermanos de género al presentar una secuela que es a la vez cinética y profundamente emotiva. El guión de Phil Lord, Christopher Miller y Dave Callaham (Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings) se basa de manera inteligente en la base de sus personajes ya establecidos, sus relaciones y las consecuencias en curso de la primera película para explorar más a fondo las vidas de superhéroes adolescentes secretos Gwen Stacy (Hailee Steinfeld) y Miles Morales (Shameik Moore) un año después de la primera película. Los escritores lo hacen con una agenda clara no solo para mejorar visualmente, sino también para mejorar el juego de los ahora familiares tropos de múltiples líneas de tiempo. Junto con los talentos del equipo de dirección Joaquim Dos Santos (The Legend of Korra), Kemp Powers (Soul) y Justin K. Thompson (Into the Spider-Verse), Across the Spider-Verse, en todos los ámbitos, se balancea hacia las vallas cinematográficas. en la rara secuela que se siente como si cada cuadro hubiera sido diseñado con la intención de exprimir cada pizca de maravilla visual e impacto emocional que los animadores, los artistas y el mismo medio pueden lograr. La animación híbrida por computadora y las técnicas dibujadas a mano establecidas en las primeras películas regresan con una ejecución más elegante que es un poco más agradable a la vista, lo que permite a los animadores ser aún más ambiciosos con su variedad de técnicas y presentaciones centradas en los personajes. La profundidad y amplitud de los estilos de animación e ilustración son asombrosos. Hay fotogramas en los que simplemente quieres caer, están tan bellamente representados y concebidos. Si hay alguna crítica, es que las secuencias más centradas en la acción son casi demasiado detalladas, por lo que el increíble trabajo de los animadores se mueve fuera de la pantalla tan rápido que sientes que no eres capaz de apreciar completamente todo lo que se te presenta. Como una película intermedia en la trilogía (Spider-Man: Beyond the Spider-Verse se estrenará en los cines en 2024), es un placer poder decir que Across the Spider-Verse se destaca por sí solo, basado en los méritos de su historia y lo que está en juego. También hay un cliffhanger asesino que prepara el escenario para un tercer capítulo que no se siente como si estuviera engañando a su audiencia como lo han hecho otras películas recientes (tos, Dune, tos). De hecho, volver a ver Across the Spider-Verse para cerrar la brecha hasta la última entrega el próximo año suena como una excelente manera de saborear esta película como se merece.—Tara Bennett

STILL: Una película de Michael J. Fox Fecha de lanzamiento: 12 de mayo de 2023 Director: Davis Guggenheim Calificación: R Duración: 94 minutos

Ya sea por su condición de celebridad omnipresente/chico lindo de Family Ties y las películas de Regreso al futuro en los años 80 y 90 o sus más de dos décadas sirviendo como rostro público/defensor de la enfermedad de Parkinson, Fox ciertamente se siente como uno de los las figuras destacadas más "vistas" del mundo. También ha escrito cuatro memorias que abarcan su carrera, su vida familiar y su vida con la enfermedad de Parkinson. Todo lo cual plantea la pregunta: ¿Qué queda para que un documental cuente sobre su vida? La respuesta es "mucho", como se evidencia en STILL: A Michael J. Fox Movie del director Davis Guggenheim (An Inconvenient Truth). El documental íntimo pero vivaz le da al actor de 61 años la oportunidad de compartir con el público una mirada inquebrantable, ingeniosa y autocrítica de su vida hasta este momento. A diferencia de otros documentales de celebridades recientes contados en la voz y con el consentimiento de sus sujetos, como Tina (2021) y Love to Love You, Donna Summer (2023) de HBO, STILL: A Michael J. Fox Movie no sufre de sentimiento como si estuviera fuertemente curado, o incluso censurado para evitar temas delicados. Para crédito de Fox, es inquebrantable al evaluar los errores en su vida, desde su comportamiento grosero temprano, que llegó con la fama, hasta su alcoholismo, que surgió de él tratando de ocultar su diagnóstico. E incluso con un tiempo de ejecución ajustado de 95 minutos, Guggenheim marca el ritmo del documento para alcanzar el lapso de la vida de Fox de manera uniforme y mesurada. Nada se siente particularmente pasado por alto, y el uso de tantas películas y material de archivo tiene el beneficio adicional de recontextualizar toda su vida pública y su carrera en una comprensión más íntima del hombre real. STILL es una mirada impresionante, inspiradora y, a veces, desgarradora del viaje en curso de Fox, que se vuelve aún más poderosa porque se cuenta con su voz. —Tara Bennett

La vaca que cantó una canción hacia el futuro Fecha de lanzamiento: 19 de mayo de 2023 Directora: Francisca Joy Estrellas: Leonor Varela, Mia Maestro, Alfredo Castro, Marcial Tagle, Enzo Ferrada, Luis Dubo Calificación: NR Duración: 98 minutos

El realismo mágico se encuentra con la amenaza real de la catástrofe ambiental en La vaca que cantó una canción hacia el futuro, el primer largometraje de la directora chilena Francisca Alegría tras el éxito de su corto de 2017 Y todo el cielo cabe en el ojo de la vaca muerta. Aunque la película a veces puede parecer prolija, una situación común cuando se pasa de los cortos a los largometrajes, es una parábola embriagadora e hipnótica sobre el daño ecológico irreparable que los humanos han cometido, al tiempo que insiste en que no es demasiado tarde para conectarse y reconciliarse con el tierra que nos nutre. Cuando la escorrentía tóxica de una fábrica de celulosa comienza a contaminar el río Cruces en el verde centro-sur de Chile, los peces comienzan a morir en masa. Mientras sus cadáveres flotan sobre el agua a la deriva y comienzan a llegar a la orilla, un himno inquietante parece escapar de sus labios sin vida. "Acércate a nosotros", cantan al unísono. "¿Se acerca el final?" Justo cuando concluye su apremiante melodía, una mujer llamada Magdalena (Mia Maestro) surge de las profundidades del agua, con el cabello largo cayendo en cascada sobre una chaqueta de cuero y su mano agarrando un casco de motocicleta. Ella jadea por aire, arrastrándose fuera del río mientras todavía tose agua. Resulta que ella murió en estas mismas aguas décadas antes (su muerte fue declarada suicidio por la policía local) y tiene algunos asuntos pendientes con la familia que creció y siguió adelante durante su prolongada ausencia. Cuando ella entra en una tienda de electrónica para presentarse ante su futura viuda (Alfredo Castro), él sufre inmediatamente un infarto agudo de miocardio. Preocupada por la histérica insistencia de su padre de que su madre muerta ha regresado de la tumba, Cecelia (Leonor Varela) lleva a sus dos hijos a pasar un tiempo con ella en la granja lechera de la familia mientras ella cuida al anciano patriarca. Poco saben, las vacas también tienen un canto que cantar, y la presencia de Magdalena es más que la aparición de un anciano. Aunque la premisa sugiere una película de terror, La vaca que cantó una canción hacia el futuro nunca se aventura en una venganza sobrenatural. En cambio, la película incorpora los horrores del mundo que nos rodea (ecológico, político, doméstico) para crear una fábula moderna de inmensa culpa que se transforma lentamente con el tiempo en una negación paralizante, completa con una resolución que promueve el próspero poder de la expiación. La vaca que cantó una canción hacia el futuro es la afirmación de Alegría de que solo podemos avanzar confrontando y protegiendo con franqueza lo que hemos dañado previamente. La esperanza está lejos de perderse, a pesar de la prevalencia del nihilismo ambiental abatido: la naturaleza de la Tierra es criar y sustentar nueva vida, un acto de cultivo que es enormemente instigado o anulado por la intervención humana. No es demasiado tarde para confrontar, evaluar y mejorar el daño que ya hemos hecho, siempre y cuando no seamos demasiado cobardes para admitir que la hemos jodido seriamente. —Natalia Keogan

Guerras de unicornioFecha de lanzamiento:10 de marzo de 2023Director:Alberto VázquezEstrellas:Jon Goiri, Jaione Insausti, Ramón Barea, Txema Regalado, Manu HerasClasificación:NRTiempo de ejecución:92 minutos

¿Quién diría que una película animada hecha de rayos de sol, arcoíris, abrazos y penes de osos de peluche podría ser tan sombría como Unicorn Wars? Tal vez ese último elemento de la lista sea una señal de advertencia. Para un indicador más grande, mira al director: Alberto Vázquez, la mente detrás de Birdboy: The Forgotten Children de 2015. Juntas, estas películas hacen una excelente doble característica de lo grotesco, aunque en comparación con Unicorn Wars, Birdboy es un episodio de Sesame Street. Una historia sobre adicción a las drogas, autoridades corruptas y colapso ambiental suena sombría en el papel y se ve sombría en la pantalla, pero Unicorn Wars es más que "sombría". Está trastornado. La tierra arrasada y el prejuicio religioso unen estas dos películas. En Unicorn Wars, el primero viene mucho después del segundo, una creencia profundamente arraigada en Dios es un factor impulsor de muchos conflictos que impulsan entre facciones en guerra: unicornios pacíficos que habitan en el bosque y osos de peluche belicistas. Esto no es una metáfora. Hay ositos de peluche literales. Los osos están gobernados por osos duros fascistas que obtienen su estatus de perpetuar la guerra. Eso no significa que la película sea demasiado seria para disfrutar de su humor higiénico. Pero Unicorn Wars empaqueta cuidadosamente temas grandes y significativos en un paquete recubierto de caramelo, utilizando el delirio como plástico de burbujas para mantener su contenido seguro. La fluidez en la artesanía es tan impresionante como el talento de Vázquez para las metáforas de Caballos de Troya sobre la condición humana en una película sobre osos de peluche apuñalando a unicornios y unicornios corneando a osos de peluche. Si ese fuera el panorama completo, aún valdría la pena ver Unicorn Wars como un ejercicio de cine de mal gusto y animación gonzo, como un episodio extendido de Happy Tree Friends construido con habilidad real. Sin embargo, por ridículo que suene, hay más en la visión de neón y empapada de sangre de Vázquez de lo que revelan sus grotescos detalles a primera vista. Abiertamente lasciva como puede ser su película, bajo esa superficie, es francamente bíblica.—Andy Crump

Walk Up Fecha de lanzamiento: 7 de abril de 2023 Director: Hong Sang-soo Estrellas: Kwon Hae-hyo, Lee Hye-young, Park Mi-so, Song Seon-mi Clasificación: NR Duración: 97 minutos

Las influencias sociales del entorno de uno, es decir, las diversas viviendas que habitamos, actúan como un ingenioso mecanismo de encuadre en Walk Up del director surcoreano Hong Sang-soo. Específicamente, la película visita cada piso de apartamentos de un edificio en particular, los personajes se mueven ordenadamente entre cada residencia mientras navegan por problemas laborales personales y tensiones fluctuantes en las relaciones. A medida que Hong avanza por el edificio desde cero, las conexiones interpersonales entre los personajes cambian: los romances florecen y se esfuman, los lazos familiares se fortalecen y se desintegran, la dinámica del poder de alquiler se endulza antes de agriarse, hasta que finalmente se restablecen, listos para desarrollarse de nuevo. El cineasta Byung-soo (Kwon Hae-hyo) y su hija Jeong-su (Park Mi-so) llegan a un edificio propiedad de la Sra. Kim (Lee Hye-young), una vieja amiga del director. La Sra. Kim les da a los dos un recorrido por el edificio de tres pisos, que alberga su propio estudio de trabajo en el sótano, su propia residencia en el primer piso, un restaurante íntimo propiedad de una mujer llamada Sunhee (Song Seon-mi) y un apartamento alquilado por un artista solitario en el nivel superior. Después de ingresar brevemente a cada unidad (y probablemente violar un par de contratos de arrendamiento en el proceso), los tres se retiran al departamento de la Sra. Kim para una noche de copas de vino. A medida que la joven sale a buscar más vino de una tienda de conveniencia, el siguiente segmento comienza con Byung-soo, la Sra. Kim y Sunhee comiendo en el restaurante de este último, donde encontramos la tesis de arte, financiamiento y la imposibilidad general de la película. de los dos, la creatividad y el capital, coexistiendo. "Para ellos, una película es puramente un medio para ganar dinero", se lamenta Byung-soo cuando revela que su película más reciente fue desconectada solo unas semanas antes de que comenzara la producción. "El dinero es el único estándar para juzgar cualquier cosa". Claramente, Hong está superando algunas decepciones personales en lo que respecta a su propia métrica de "éxito" aquí. Cuando Walk Up llega a su fin, todos los personajes aparecen frente al edificio. Están en camino a otro lugar, apareciendo para una visita atrasada o regresando para realizar tareas laborales en el interior. Esta configuración refleja el comienzo de la película, y las relaciones que se han fortalecido o abandonado desde entonces parecen retroceder milagrosamente a su dinámica original. ¿Hong simplemente dio un giro completo, preparando a estas personas para revivir los eventos anteriores y quizás tomar decisiones diferentes? ¿O es que la asfixia de nuestros pequeños espacios nos vuelve insensibles y egocéntricos? ¿Salir de nuestros espacios más íntimos nos permite abrazar posibilidades que desde entonces hemos considerado cerradas o imposibles? Sin las presiones inminentes del alquiler, los arreglos para trabajar desde casa y las reuniones de negocios informales, Hong sugiere que finalmente podríamos ser libres.—Natalia Keogan

Heriste mis sentimientosFecha de lanzamiento: 26 de mayo de 2023 Directora: Nicole Holofcener Estrellas: Julia Louis-Dreyfus, Tobias Menzies, Michaela Watkins, Owen Teague, Arian Moayed, Jeannie Berlin Calificación: R Duración: 93 minutos

Beth (Julia Louis-Dreyfus) escucha accidentalmente a su esposo terapeuta Don (Tobias Menzies) ofrecer una evaluación honesta y negativa de su novela en progreso, después de recibir muchos borradores de aliento de él. Esta premisa (o algo parecido) probablemente se haya utilizado en al menos tres comedias de situación; incluso aquí, presenta a uno de los grandes intérpretes de la forma en Louis-Dreyfus. But You Hurt My Feelings también está escrita y dirigida por Nicole Holofcener, una experta en revelar las tensiones invisibles que acechan detrás de las sutilezas sociales y de las relaciones. Su última película es muy divertida; aún más impresionante, convierte lo que podrían haber sido 22 minutos de malentendidos y aprendizaje de lecciones en una búsqueda genuina; Resulta que Tobias también tiene cierta inseguridad profesional, y no sin motivo. Entonces, ¿somos realmente tan buenos en nuestros trabajos (¡y pasiones!) como imaginamos, o somos simplemente incompetentes e inseguros que se deleitan con los elogios sin sentido y deshonestos de nuestros seres queridos? La respuesta probablemente se encuentre en algún punto intermedio, pero Holofcener es lo suficientemente lúcido como para dar a este último una consideración sorprendentemente completa.—Jesse Hassenger

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